THE DAY THE EARTH STOOD STILL. Una histora que pudo ser mejor

Un ser del espacio exterior llega a la Tierra con el propósito de entrar en conexión con los seres humanos y, apartir de ahí, considerar la exterminación o no de la especie humana con el propósito de salvaguardar al planeta.

"Tú profesor está en lo correcto, al borde del precipicio todos cambiamos". Klaatu

The Day The Earth Stood Still o El día que la Tierra se detuvo es un remake de un film llevado a la pantalla en 1951, soy sincero al decir que no he tenido la posibilidad de ver la original y espero algún día hacerlo para, sea como sea, compararla con ésta nueva versión. Es cierto que los guionistas en Hollywood parecen haber perdido el sentido de la originalidad y apuestan por retomar viejas historias y adaptarlas a como dé lugar, pero El día que la Tierra se detuvo, aunque es uno de tantos casos de dichas adaptaciones (o readaptaciones como quieran) no deja de inquietar a más de algún espectador.

La película ha sido vilipendiada y hasta degradada por los "constantes fallos" o "falencias" con las que cuenta, lo cual no ha permitido un examen menos riguroso de la historia reescrita por el novato David Scarpa y dirigida por Scott Derrickson. Si buscan acción pura y dura no la encontrarán y si buscan un argumento oscarizable tampoco y no digamos actuaciones que la marquen como clásica... pero es de buen haber decir que El día que la Tierra se detuvo es entretenida en cierto nivel. El guión de Scarpa, aunque de ritmo rápido al principio y un poco más lento en el resto, se basa en preceptos que ya han sido tratados en otros films: la lucha ser humano-medio ambiente, la posibilidades de que las personas cambien al estar al borde del abismo y la más antigua de todas...la irracional idea de que la especie humana es la dueña del planeta Tierra.

Preceptos muy actuales y a la vez comunes entre las personas de todas las sociedades, pero que Derrickson trata de llevar en un análisis más allá pero que, lastimosamente, queda muy superficial y no lo explota al máximo; la película es entretenida (como ya dije) hasta cierto punto...puesto que al ejecutarse dentro de un marco apocalíptico y el suspense de lo que puede llegar al final es lo que permite estar atentos a todos los movimiento de Klaatu interpretado de gran manera por el también vilipendiado Keanu Reeves que en ésta ocasión con su inexpresivo rostro quedó como anillo al dedo... aunque, de vez en cuando, cualquiera podría recordar mucho a personajes como Neo o Constantine. Aunque Klaatu tiene una misión que al parecer no tiene retroceso, dicha idea se ve enfrentada a las constantes intervenciones de la Dra. Helen Benson con una interpretación bastante justa por parte de Jennifer Connely quien trata, a la desesperada, de cambiar las pautas que obligan a Klaatu a terminar con la vida humana en la Tierra.


Pero al estar la Dra. Benson en esa situación siempre aparece el totalmente infumable y absolutamente prescindible Jayden Smith (hijo del conocido Will Smith) como Jacob Benson con una de las peores actuaciones de "niños-talento" que jamás haya tenido el desagrado de ver, puesto que resta seriedad al asunto, complica lo que no debería complicar y no sustenta nada al ya de por si limitado guión. Guión que por suerte nos permite ver la versatilidad de una gran señora como lo es Kathy Bates que magistralmente desempeña a Regina Jackson como la dura, inflexible e insensible secretaria de Estado que da la cara por su país, sea por mandato o por el hecho que se siente con el poder de representar a la altanería misma de la supuesta nación más poderosa del Mundo.

La fotografía es bastante justa y en especial los colores fríos ya que arman un ambiente bastante gris y eso da sensaciones de lo que los personajes están sintiendo o experimentando a lo largo de un camino que inexorablemente lleva hacia el fin del mundo. Sus efectos especiales digitales, manejados por la compañía del afamado Peter Jackson, en algunos puntos convencen como por ejemplo las "esferas-arca" pero en otros dejan ese aire de pudo ser mejor como en el caso del gigante robot GORT (o TORG en la traducción). GORT no es mayormente explotado y pudo explorar mejores escenarios como cuando la milicia trata sin éxito de destruirlo y es triste como el director, en un intento por darlo todo mediante cucharadas, hace muy visibles ciertos animalillos (obviamente nanobots) que componen la estructura física de GORT y que su única directriz es acabar con todo aquello orgánico e inorgánico sobre la faz del planeta, situación que hubiera despertado mayor emoción e intriga en el espectador si no se hubiera hecho saber de qué se trataba esa "plaga".


El final parece a veces predecible pero también lanza anzuelos para que no lo demos por sentado y eso le da cierta motivación para que queramos saber cómo y por qué se llega al término que la película tiene; es necesario recalcar que la constante lucha psicológica-filosófica de Klaatu con la Dra. Benson o con la secretaria Jackson entorno a la situación del planeta Tierra y a la forma de ser y pensar del ser humano, aunque no muy profunda como ya he mencionado, no deja de presentarnos a quemarropa lo que ya muchas veces hemos discutido en algún momento de nuestras vidas y plantea aspectos que no dejan de sorprender aunque los sepamos de pe-a-pa.

Se plantea que el ser humano es un ente egocéntrico, piensa ser único en el universo... pero lo egocéntrico se le baja cuando está al borde del desastre, de la muerte, de la destrucción, cuando toca fondo... es ahí cuando cambia. Eso es lo que hace que a su vez Klaatu cambie de parecer en relación a los seres humanos, aunque es un cambio muy rápido y repentino y que a su vez destartala la rígida línea que lleva durante el desarrollo del film. Pero con todo y todo son las reflexiones que hace sobre la naturaleza humana lo más destacable de éste nuevo intento por recordarle a la agente que no estamos solos ni en el universo, ni en el planeta mismo.

Trailer de PUNISHER WAR ZONE

Ya tenía ratos cocinándose entre Marvel Studios y Lionsgate otra de tantas readaptaciones de un comic al cine pero que ha tenido poco que decir en lo que respecta a un año plagado por superheroes más mediáticos, aun por debajo del menospreciado The Incredible Hulk de Louis Leterrier nos llega Punisher War Zone; hay que recordar que a finales de los 80's hubo una versión nada atrayente de Frank "El Castigador" Castle interpretado por el también nada convincente Dolph "Ivan Drago" Lundgren.

Hace 4 años tuvimos otra versión un poco más apegada al personaje, pero que no terminó de pegar entre fanáticos y no fanáticos, aunque personalmente y a grosso modo es una versión bastante pasable con Thomas Jane como protagonista. Bueno, dejemos de hablar tanto y demos paso al muy atractivo y sangriento segundo trailer (gracias a IGN) de Punisher War Zone protagonizada por Ray Stevenson y dirigida por la cineasta (¡Sí!, como lo lees...¡una cineasta!) Lexi Alexander.

A LA VIDA, A L'AMOR. Sencilla pero directa.

Moià, Barcelona

Julián es un chico hiperactivo que hace y deshace en el pequeño pueblo donde vive, pero debido a un suceso desafortunado es diagnosticado con VIH, situación a la que tanto su familia como el pueblo mismo deben enfrentarse provocando sentimientos encontrados.

Hace diez años fue realizada ésta película para la televisión de Cataluña, por lo cual es bastante inaccesible para grandes audiencias a menos que los espectadores tengan cable (yo lo vi en Cine Latino canal 9 de cierta compañía de cable salvadoreña). "A la vida, a l'amor" es, como ya dije, una película sencilla pero directa que critica a la sociedad por su comportamiento en torno al SIDA pero a la vez trata de instruirla y sensibilizarla para sobrellevar tal enfermedad.

Uno de los preceptos, que creo, impulsaron éste audiovisual realizado por el director Jesús Garay, fue el hecho de que aun en muchos lugares (no importando el país) aun se tenía (y se tiene) una aberración a las personas infectadas y por ende una tremenda discriminación...por ahí se dice que el ser humano teme a lo que no conoce y es entonces cuando vemos en éste film cómo los adultos tratan de, a regañadientes, documentarse para enfrentar la cruel realidad que sufre Julián.

Julián, interpretado de manera muy convincente por el entonces pequeño Sergi Ruíz, es inquieto y el más hiperactivo de todo los niños de la comunidad, pero es muy tierno según los adultos, para decirle lo que le está ocurriendo y por ende Julián no comprende el por qué de los excesivos cuidados de los que es objeto después de la hospitalización de la que fue protagonista.

Julián es de los indispensables dentro del grueso de niños del pueblo, acuerpado en sus andanzas por el incondicional Cosme, interpretado de gran manera por el entonces, también, pequeño David Bosch, y que no puede soportar el relativo desprecio que sufre su amigo cuando todo el mundo se da cuenta de qué es lo que tiene. A su lado también está Berta (Raquel Hurtado) que es la que le "mueve el tapete" a Julián y es con quien más desea estar en los momentos de juego, en especial el de darse besos.

El público se cautiva con un guión bastante entendible y directo, escrito por Dolores Payás e Ignasi Rubio (guionista de la reconocida serie "La Familia Mata"), también por la cinematografía que se puede desarrollar con los escenarios del pueblo de Moià en Barcelona y con la astucia de sus protagonistas, especialmente los pequeños ya mencionado, los cuales actúan con tanta naturalidad que el espectador, siente cada una de las cosas que dicen y/o viven.

Payás y Rubio hacen buen uso de un vocabulario amplio y para algunos crudo ya que, cuando se habla del SIDA, se dicen las cosas tal cual, como debe ser, no se limitan ni se censuran, lo cual vuelve más fuerte el argumento que desean transmitir. Además abordan de excelente manera el sentimiento de impotencia de los padres de Julián, la retrograda actuación de los demás adultos cuando señalan al niño como un peligro inminente y la influencia de ellos sobre los demás niños que de una u otra forma reproducen el comportamiento de sus padres, relegando a Julián y cómo éste se auto aísla al tener conciencia de su situación.

Pero también se vislumbra el amor verdadero expresado por los padres de Julián, la fidelidad de sus amigos Cosme y Berta, y cómo las situaciones que se van dando llevan a que sean los mismos niños los que den una lección a los adultos cuando encaran de una vez por todas el miedo y la ignorancia. Solo he de decir que recomiendo ampliamente este film que me conmovió y me hizo recordar en parte (tal vez por el período de tiempo en que se realizó) una de las grandes películas de Almodóvar: "Todo sobre mi madre".

P.D.: Me perdonarán pero es muy difícil encontrar información tanto gráfica como documental de ésta película por el tiempo que tiene y por el medio por el cual se difundió.

Valkyrie. Lo nuevo de Tom Cruise

Cada vez se acerca fin de año y con ello los últimos respiros de la cinematografía del presente 2008; entre las películas que se esperan tenemos la más reciente visión del conocido director Bryan Singer (X-Men, Superman Returns, The Usual Suspects) sobre la famosa Operación Valkyrie, en la cual un grupo de alto mandos nazis organizan un complot para acabar con Adolfo Hitler.

La historia, considerada de las más apasionantes del siglo XX, ha sido llevada a la pantalla varias veces y siempre centrándose en, a quien podemos llamar el líder de ese grupo, el coronel Claus Von Stauffenberg, que en ésta oportunidad será interpretado por el no menos famoso Tom Cruise. El tono y las perspectivas previas de ésta nueva puesta en escena dejan buenas sensaciones, especialmente a quienes les interesa mucho ese apartado de la historia de la centuria pasada.

Valkyrie (Valquiria) estaba enfocada para ser estrenada en el verano de ésta año, pero por una serie de inconvenientes, incluyendo cierto grave accidente durante el rodaje, impidieron dicha situación, por lo cual se trasladó hasta diciembre, al menos les digo que yo la veré sea como sea ya que promete ser un buen cierre de año.

Segundo Trailer de WATCHMEN, esto va en serio... sin palabras.

Recién se ha publicado en internet el nuevo trailer de la película Watchmen, y éste ya no es solo un teaser, éste es un trailer en toda regla, ¡Y VAYA SI ES IMPRESIONANTE!. Debo admitir que al ver el trailer me ha dado la misma sensación que cuando vi el trailer oficial de The Dark Knight, me ha transmitido la idea de lo difícil que puede ser llevarse una decepción con éste filme. En éste trailer se narra brevemente el argumento... en unos ficticios años 80, donde los superhéroes son parte de la sociedad y la guerra nuclear entre USA y la URSS es inminente, asesinan a uno de los miembros antiguos de éstos héroes... despertando la curiosidad de otro de ellos, quien empieza a descubrir un complot para acabar con todos los "vigilantes"... sin embargo se verá que la conspiración va más allá. La fidelidad con la novela gráfica de Alan Moore y David Gibbons parece ser enorme, la cinematografía se ve impecable... y han acompañado el trailer con una canción de Muse (Take a Bow)... simplemente inmejorable.

Lo mejor es verlo en ALTA DEFINICIÓN, los que no se convenzan aún, aquí les va el trailer en youtube:

QUANTUM OF SOLACE. Bond al servicio de la acción

Este fin de semana recién pasado se estrenó la película más reciente de James Bond, Quantum of Solace. Personalmente soy un gran defensor de éste reinicio del agente 007, y es que antes solo había visto "The World is not Enough" en 1999, la cual no me pareció tan buena. Casino Royale me encantó, y según parece no fui el único, por lo tanto mis expectativas con ésta nueva película eran bastante altas, habiendo aclarado lo anterior.... me dispongo a comenzar.

Quantum of Solace es una emocionante película de acción, la cual tiene su mayor valía precisamente en eso, en no dar respiro alguno al espectador y deleitarnos contínuamente con persecuciones, peleas y tiroteos rodados con una calidad excelente. Sin embargo, tanta acción parece querer ocultar una deficiencia... y es su guión, la historia... la cual se queda muy por debajo de la magnífica Casino Royale, la cual para mí es sencillamente "redonda". Con esto no quiero decir que no me haya gustado, de hecho la he pasado bien en el cine y lo más importante, sin aburrimiento, lo cual ya es bastante. Su director Marc Forster nos brinda algo con lo que no ha estado muy familiarizado, muchos de sus trabajos anteriores como Monster's Ball, Finding Neverland y Stranger than Fiction no se basan precisamente en la acción.

Quantum of Solace continúa justo donde la anterior termina, (recordemos, cuando el agente británico recitaba su frase más célebre "Bond, James Bond"), y lo hace con una introducción estupenda, primeros planos a la carrocería del precioso Aston Martin mientras se conduce dentro de un tunel, donde luego da inicio a una trepidante "pelea de autos". Desde allí tenemos una idea bastante clara de cómo será el filme, pues el interrogatorio al misterioso Señor White desencadena en otra persecución, ésta vez a pie, la cual me dió la impresión que pretendía emular a la persecusión en Madagascar en la anterior película.

Poco a poco nos vamos dando cuenta de que cómo Bond se empieza a acercar a la organización Quantum, responsable de la muerte de su amada y odiada Vesper... pero ese punto ya lo sabemos desde un principio, la verdadera historia empieza un poco tropezada, porque a veces nos presentan primero una pelea y hasta después nos dicen del porqué Bond se esta dando de moquetazos en un hotel en Haití, para poner un ejemplo. Esa sería quizás mi principal crítica, cualquier cinéfilo sabe que para crear emoción se necesita de algo que nos llegue a interesar, y eso no siempre se puede lograr con acción. La historia avanza a puros golpes y "desmadres", dejando poco para diálogos que nos ayuden a meternos dentro de todo el argumento, y es posible que ese sea el motivo... en realidad el argumento no esta muy bien cuidado, tal vez no sea lo suficientemente interesante. Entonces ¿qué nos queda? aaah si... la genial interpretación de Daniel Craig, acción de buena factura y una cinematografía de lujo. Quiero mencionar que existe una secuencia que me gustó mucho, y es la de la ópera, donde Bond descubre una reunión secreta de sus enemigos, es sencillamente genial, el tiroteo empieza y lo único que oímos es el cántico del escenario intercalando la obra con las peleas, de haber tenido más profunidad la historia, ésta hubiese sido un momento climático todavía más icónico.

Daniel Craig es el mismo Bond de Casino Royale, muy convincente y coherente, haciendo a un espía implacable, decidido a seguir hasta donde haya que llegar para conseguir su objetivo (veáse la parte donde se pelea en el campanario), éste es un Bond que se ensucia, se despeina, se desangra y que se afecta mucho emocionalmente, al punto que casi llega a parecer un antihéroe, no importándole sobre quien deba pasar para seguir adelante, las peleas estan rodadas al mismo estilo del anterior filme, peleas bastante físicas y brutales (me recuerdan la saga de Bourne). Ahora bien, sus acompañantes, la chica Bond principal es Camille, interpretada por la bella y exótica ucraniana Olga Kurylenko, ella es algo así como una "Femme Fatale" aunque no pertenezca a ninguna agencia. La química entre ella y Bond parece no resultar del todo, pero es posible que se deba al mismo guión, ya que ella esta en busca de una venganza, similar a la de Bond, dejando poca oportunidad para que se empatizen más el uno con el otro.



La chica Bond secundaria es Gemma Artenton, de una belleza más convencional y con una cara de angelito, la participación de la número dos no es muy prolongada, al igual que en el anterior film y es otra de las víctimas del encanto de 007. Ahora, el villano es Dominic Greene (Mathieu Amalric), miembro importante de la susodicha organización que persigue el control de un valioso recurso natural en suramérica (una buena parte de la película se desarrolla justo en Bolivia), su aspecto es excentrico y con un aspecto de desquiciado, como la mayoría de villanos de ésta saga, sin embargo no posee una habilidad, a parte de su maldad, con la que pueda rivalizar directamente con el protagonista, como sí tenia el anterior Le Chiffre (era un genio matemático que le permitía jugar al poker con gran ventaja). Judy Dench es M, siempre M, siempre bien.

En conclusión, Quantum of Solace es una buena película de acción (mejor que muchas películas actuales del mismo género) aunque claramente inferior a Casino Royale, la cual dejó el listón bastante alto, y es posible que ese haya sido lo crítico, las películas de Bond no son necesariamente obras íntegras del séptimo arte, sino más bien entretenimiento puro y duro, y ésta lo es.

P.D.: La canción a cargo de Jack White y Alicia Keys, "Another Way to Die" no es muy original, tiene un estilo Bond clásico pero sin novedad alguna, no han arriesgado nada (al contrario de la anterior a cargo de Chris Cornell, muy buena). Sin duda alguna, de haberla hecho Amy Winehouse (inicialmente encargada del asunto), habríamos tenido algo mejor.

Festival de Cine Japonés 2008

Una vez más, nuestro buen amigo Salvador Barahona nos colabora entregandonos éste importante aviso, se presentará un ciclo de cine Japonés, abajo les transcribo la invitación:

La Embajada del Japón, el Museo Nacional de Antropología “Dr. David J- Guzmán” y UES

les invitan al:

Festival de Cine Japonés 2008 “Por una Paz Perdurable”

En esta temporada cultural, se presentan cuatro películas de dos destacados directores japoneses; historias marcadas por los bombardeos atómicos sobre Japón durante la Segunda Guerra Mundial, para recordarnos sobre la importancia del significado de la Paz.

Kazuo Kuroki (Director)

Nació en 1931 cerca de Nagasaki. Un director ampliamente respetado en Japón e internacionalmente conocido por sus películas sobre los bombardeos atómicos en Hiroshima y Nagasaki, magistralmente plasmados en su trilogía “Réquiem de Guerra”, merecedora de numerosos premios.

Isao Takahata (Director)

Cofundador de los estudios cinematográficos Ghibli, donde dirigiera “La tumba de las Luciérnagas” (1988), considerada por muchos una de las obras maestras del cine animado japonés. Además, formó parte del equipo de producción de los ánime: El Castillo en el Cielo y El Viaje de Chihiro; esta última fue merecedora de múltiples galardones tales como el Oscar por mejor Película Animada y el Oso de Oro de Berlín, ambos en el 2002.
Fechas de presentación en ambos lugares:


Martes 11 de noviembre: La Tumba de las Luciérnagas (Ánime)

Martes 18 de noviembre: El Verano de un Niño en 1945

Martes 25 de noviembre: El Rostro de Jizo

Lugar: Teatro Universitario de la Universidad Nacional de El Salvador

Hora: 12:30 p.m.
Lugar: Auditorio del Museo Nacional de Antropología “Dr. David J. Guzmán”

Hora: 5:30 p.m.

Sinopsis:



El Verano de un Niño en 1945 (Kazuo Kuroki)

En 1945, el estudiante Yasuo debe irse a vivir con sus abuelos. Yasuo se siente culpable y sufre por no haber podido salvar a sus amigos durante un bombardeo,







El Rostro de Jizo (Kazuo Kuroki)

Relata la historia de Mitsue, una sobreviviente de la bomba atómica en Hiroshima, quien vive triste por la pérdida de su padre. El espíritu de su progenitor la acompaña y guía para rehacer su vida.



La Tumba de las Luciérnagas (Isao Takahata)


La historia se desarrolla en el verano de 1945, trata sobre la vida de dos hermanos, Seita de 14 años y su hermanita Setsuko, de 5. Relata su dramática lucha por sobrevivir al quedar huérfanos a raíz de la guerra.

Estreno de la Semana - Quantum of Solace, la más reciente película de James Bond

Sin lugar a dudas, Quantum of Solace es el estreno más importante de ésta semana en las carteleras nacionales (y probablemente mundiales). La película oficial número 22 sobre el famoso agente británico James Bond, dirigida ahora por Marc Forster (Monster's Ball, Finding Neverland, Stranger than Fiction). Al parecer, según las primeras críticas internacionales, la película es bastante buena, aunque inferior a su magnífica antecesora "Casino Royale", de la cual ésta es una secuela directa. Los concensos apuntan a que tiene más acción que diálogos y que una vez más, Daniel Craig hace una excelente interpretación.

A nosotros no nos queda más que verla, les dejo a continuación el segundo trailer de la película:

TRASTORNADO. Una novedosa propuesta

Las recientes propuestas del cine nacional han comenzado a desatar cierto hambre entre el público y de una u otra manera las personas desean más y eso se nota mucho cuando una producción del estilo de Trastornado hace que se le abran espacios tanto en peñas culturales, salas de cine y en la televisión nacional.

Trastornado cuenta la historia de Adán, un joven que parece tener visiones de personas conocidas y situaciones escalofriantes, las cuales, no sabe si son reales o productos de su imaginación.

Con un ritmo a muy buena velocidad, Trastornado te atrapa desde el primer momento ya que a nivel visual tiene aspectos muy llamativos como el manejo de los planos y los contrastes de luz y sombra, aunque trata sutilmente la temática de fondo (la cual se aclara llegando casi al final) sabe como mantener en suspenso al público que no sabe por qué sucede todo aquello.

Se nota a leguas que al novel director y productor Andrés Díaz no le tembló el pulso cuando se aventó a realizar un audiovisual que encierra la esencia de un mundo violento que seguramente, Dante Vásquez (creador de la idea original) quiso comunicar desde un aspecto más psicológico. Ambos logran, al final. armar un corto que se desarrolla adecuadamente, dando las pautas apropiadas para que el público pueda entenderlo hasta el punto que así desean y que mantiene una astuta trama cerrando un círculo al mejor estilo de grandes películas.

Victor Rosa, en su rol de Adán, es el principal involucrado en ésta historia; logra denotar la mayoría de emociones del personaje y se adapta bien a las situaciones aunque, al igual que sus amigos coprotagonistas (Miguel Velásquez, José Luís Menjívar y Manuel Castillo) no parece convencerse en ciertos momentos de lo que expresa. He aquí también que hago la observación del uso un tanto pasado del vocabulario vulgar, que si bien es cierto es coincidente con nuestra sociedad puede terminar por demeritar la calidad del film.

Por su parte, Lourdes Quintanilla como el espectro y Zaida Navarrete en el papel de Lucía (la novia de Adán) logran interpretaciones coherentes y muy bien desarrolladas aunque sus apariciones sean relativamente breves pero totalmente necesarias para desenlazar el meollo de la historia. Es de alabar el esfuerzo con que se trabajó para éste corto pues se trabajó, según me cuentan, con aspectos totalmente artesanales (como las luces y los efecto especiales) y a un ritmo que no daba tiempo para relajarse.

Los efectos especiales están bien logrados y no son exagerados, sirven para darle solidez a la trama y, aunque no roban atención sí se ganan el agrado del público; por su parte, aunque contrarrestan bastante bien los sonidos ambiente se nota en buena medida el doblaje de las voces, elemento de doble filo ya que si es cierto que ayuda a que los diálogos sean más entendibles si no es bien aplicado cae en el desfase que en cierto momentos se observa.

En general es un cortometraje que puede traspasar fronteras y que demuestra que cuando algo se hace con ganas se puede tener un producto de calidad..aprovecho además para externar la siguiente invitación de nuestro fiel lector y colaborador Roberto Serrano quien es parte del staff detrás de cámaras de Trastornado:

Si no pudieron ver Trastornado en La Luna… No fuiste al cine cuando estuvo en cartelera y de remate no lo viste en Canal 12 el sábado pasado; Tienes una nueva oportunidad de verlo:

TRASTORNADO, un cortometraje de suspenso 100% salvadoreño, se estará presentando el próximo viernes 7 de noviembre en el TEATRO NACIONAL (que honor para FULLSHOT), a las 6:00 pm EN PUNTO, gracias a la colaboración del Centro Cultural de España, en el marco de su Festival ARCA (Arte en la Calle).

Recuerden, viernes 7 de noviembre en el Teatro Nacional (a un costado de la Catedral Metropolitana), a las 6:00 pm EN PUNTO, Hora Europea así que lleguen un poco antes jeje, es totalmente GRATIS.


¡Apoyemos el arte nacional!

Cine de animación japonesa en Museo Tin Marín

Nuestro buen amigo y fiel lector del blog, Salvador Barahona, nos regala un importante aviso, en el museo Tin Marín estarán proyectando dos películas de animación japonesa del famoso director Hayao Miyazaki (el del Viaje de Chihiro), IDEAL PARA LOS NIÑOS. Las proyecciones se realizarán el sábado 1 y el sábado 8 de Noviembre, en ambas fechas se presentarán ambas películas:

Fecha 10:00 a.m. y 3:30 p.m.
Sábado 1 de noviembre = Mi Vecino Totoro / El Castillo en el Cielo
Sábado 8 de noviembre = El Castillo en el Cielo / Mi Vecino Totoro

Sinopsis:

Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988)


Un profesor universitario se muda junto a sus dos hijas a una casa cercana a un bosque, mientras su esposa se recupera en un hospital. Las niñas descubren la existencia de Totoro, una criatura con la que hacen amistad, y que luego les prestará ayuda ante el extravío de la hermana menor.



El Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986)


Shita es una niña que posee una piedra mágica, la cual permitirá abrir las puertas de la “Fortaleza Celeste”, una isla flotante en medio del cielo. Un agente secreto del gobierno y una banda de ladrones, buscan el secreto de la piedra. Tras escapar de ambos, Shita conoce a Pazu, un joven que la protege y le ayuda a resolver el misterio de la “Fortaleza Celeste”.

Nota: Deberán cancelar $2 por ingreso a Museo

The Nightmare Before Christmas... como el vino

De nuevo al blog, las disculpas del caso por pasar tanto tiempo sin escribir en este espacio, pero hubo motivos fuera de mi control que me lo impidieron... pero ahora ¡a las películas!. No soy de los que celebran el día de brujas ni esas cosas, sin embargo debo admitir que es el momento más propicio para presentar opinión sobre ésta magnífica película. "The Nightmare Before Christmas" (en latinoamérica se conoció como "El extraño mundo de Jack") es una película de animación "stop-motion" que se estrenó en 1993, lo interesante del filme es lo bien que esta visualmente, aún ahora, aproximadamente 15 años después, donde la animación 3D ha llegado a niveles más que decentes.

La historia trata de cómo el más célebre y aclamado habitante de "Halloween Town", Jack Skellington, cansado de la rutina de su pueblo y de la celebración del Día de Brujas, en búsqueda de algo nuevo y diferente, cae accidentalmente en "Christmas Town", un lugar donde se prepara siempre la Navidad de Santa Claus. Jack queda fascinado con su nuevo descubrimiento y decide llevar la Navidad a Halloween Town, sin embargo, los terroríficos habitantes de su pueblo natal no comprenderán del todo ésta "nueva festividad" y el mismo Jack se obsesionará al punto de querer personificar él mismo a Santa Claus.... como adivinarán las cosas no saldrán como Jack lo planea.

La película inicia con la presentación de los ciudadanos de Halloween Town y su pegajosa canción "This is Halloween", en donde queda claro que el esqueleto Jack es la estrella del lugar, el más terrorífico y brillante artista del miedo y del espanto, "El Rey Calabaza". Pero pronto nos damos cuenta que el pobre Jack, a pesar de ser el mejor en lo que hace y gozar de la admiración de (casi) todos sus conciudadanos, tiene en sus huesos un vacío creado por la rutina, unas ansias de conocer y hacer algo nuevo, algo que lo inspire. En este punto es fácil identificarnos con el esquelético Jack, pues a casi todos nos fascina la idea de hacer o descubrir algo nuevo cuando la rutina se vuelve insoportable.


Luego Jack cae accidentalmente en Christmas Town, y presenciamos cómo enloquece de felicidad, y es claro que desde allí se apasiona con todo lo referente a la Navidad (en el sentido de la celebración, por supueto). Cuando Jack regresa a su pueblo de Halloween, resulta muy divertido cómo intenta explicar las cosas que vió en Navidad, pues sus paisanos no son capaces de ver las cosas desde un punto de vista que no sea el de asustar, el punto de vista de su Halloween. Y en eso viene el principio del caos, pues Jack, en lugar de solo celebrar la festividad de Navidad en su pueblo natal, decide que lo más grandioso es que él mismo personifique a Santa Claus, y que todo el pueblo de Halloween le ayude a preparar la siguiente Navidad. Un claro caso de cuando una persona se deja llevar por sus obsesiones a límites demasiado altos.


Ahora, en Halloween Town, a pesar de estar habitado por vampiros, hombres lobo, momias y todo tipo de seres espantosos, tal como lo dicen en el inicio de la película, no son realmente malos, sino que solo hacen su trabajo. Ahora bien, esto no se cumple para todos los personajes, en especial para uno de ellos. Cuando los pilluelos a los que Jack encomienda el secuestro de Santa Claus deciden llevarselo al siniestro "Oggie Boogie Man", queda claro que todo el plan de la Navidad de Halloween puede terminar en tragedia. Oggie Boogie parece no simpatizar mucho con Jack, y por lo que se ve... trata de convertirse en el personaje más temido del pueblo, dejando de manera no muy tangible una posible rivalidad con Jack Skellington.


Otro de los personajes principales es Sally, una chica creada por un científico loco al estilo Frankenstein. Ella parecer ser la única que comprende la tristeza y el vacío de Jack, ya que su creador, el doctor Flinkesntein, casi no le permite salir de su casa, impidiendole ver el resto de Halloween Town; por si esto fuera poco, ella esta enamorada de Jack, a quien considera su amor platónico, casi inalcanzable. Pero Sally esta lejos de ser la típica chica enamorada, ella es astuta, valiente e ingeniosa, con amplios conocimientos sobre pociones (debido a su constante cautiverio en el laboratorio donde vive) y con el don de tener premoniciones. Con frecuencia pone somníferos en la comida del doctor para escaparse, también es la única que teme que la Navidad de Jack terminará mal y la primera que va al rescate de Santa Claus... o "Sandy Claws", como lo conocen todos allí.

El entretenimiento esta asegurado, y para eso se le debe reconocer el trabajo de tres genios: primero a Tim Burton, creador de la historia y de los personajes, toda la película es un viaje al mundo de éste genial cienasta. Segundo a Danny Elfman, quien es el encargado de hacer la música y las canciones del filme, siendo éste uno de los aspectos más fuertes, ya que las canciones son realmente pegajosas, con letras muy ingeniosas y divertidas (el mismo Danny Elfman es quien hace la voz de Jack en las canciones que interpreta); memorables las canciones "This is Halloween" (al principio del filme), "Jack's Lament" (cuando Jack se siente triste y cansado de Halloween), "Whats This" (cuando Jack descubre Christmas Town), "Town Meeting" (cuando Jack les cuenta a sus paisanos sobre la Navidad), "Oggie Boggie´s Song" (excepcional interpretacion de Ken Page cuando Oggie Boogie tiene a Santa Claus) y "Sally's Song" (Catherine O'Hara interpreta una de las mejores canciones del filme como Sally) entre otras. Finalmente a Henry Selick, director de la película, experto en animaciones "stop-motion", recordemos que filmar este tipo de peliculas lleva mucho tiempo (ésta tomó tres años), pues las escenas se crean a partir de fotografias individuales que se toman a las esculturas de los personajes, a medida se les va cambiando de posición para crear el efecto de movimiento. Por supuesto a todo el equipo de trabajo, quienes realizaron sin duda un trabajo excepcional bajo la ordenes de éstos genios.

Muy buena película, altamente recomendable, la cual parece que el paso del tiempo solo la ha hecho mejor, como el vino, dejando la impresión que su aspecto visual es precisamente lo que las animaciones 3D actuales aspiraban alcanzar.

AL SÉPTIMO DÍA. Un día más no hubiera estado mal

El presente 2008 puede llegar a ser recordado, en algún momento, como el año cuando en El Salvador la producción audiovisual cobró relevancia como nunca antes. Hace ya buen rato que se está tratando de fomentar la cultura cinematográfica a razón de lo netamente nacional y, aunque los esfuerzos son poco apoyados, estos se siguen dando y muy frecuentemente.

En éste turno le toca a Pamela Robin, cantautora chileno-salvadoreña que tuvo la iniciativa y fortaleza por realizar un cortometraje con ideas tomadas de un par de canciones que ha escrito; bajo la dirección del mexicano Fabián Bello la historia de "Al Séptimo Día" se desarrolla bajo el concepto de cómo una mujer debe lidiar con la contrariedad de no sentirse como tal debido a un enfermedad que amenaza nuevamente su vida.

La apuesta por una historia bastante sutil y de impacto social, especialmente en el ámbito feminista, fue muy buena ya que no le da al público algo ya mascado y digerido haciendo que se puedan generar todo tipo de teorías sobre la trama. La cinematografía es muy justa en la mayoría de ocasiones pero tiene problemas a la hora de hacer planos muy cerrados de los rostros, comprimiendo y no dejando lugar para explotar el ambiente en el que se realizan las interpretaciones.

La iluminación y la fotografía tienen mejores momentos aunque siempre se llega a un punto en que no parecen coincidir; el audio ha sido muy bien trabajado, en especial al lidiar con los sonidos ambientes, logra resaltar las voces y aun más las partes musicales que son secuencias realmente destacables. Abordando un poco el guión, podemos halagar el hecho de que esta bien realizado para evitar la morbosidad o vulgaridad que tanto se presentan en las producciones de ésta parte del mundo, pero su esencia se diluye en parte debido a un ritmo y edición extremadamente acelerados que no dejan lugar para poder comprender las situaciones de inmediato.

Los diálogos no intentan ser complejos pero logran denotar profundidad; ciertamente las interpretaciones van de un lado a otro, quiero decir que por ejemplo Paolo Hasbún, a quien vimos en Parávolar, en su personaje de Rafa no logra despegar y se mantiene muy pasivo; Eduardo Magaña como Tito pone la nota humorística aunque tenga apariciones muy escasas; Carlos Jiménez es muy destacable en su interpretación de Fede (el mejor amigo de Paola) y es de los que más convence... por su lado Pamela Robin (en su papel de Paola) logra denotar mucha confianza y credibilidad sin necesidad de tener algún tipo de educación actoral... y un señor actor, Giacomo Buonafina, demuestra con su presencia, sobriedad y cohesión el por qué fue contactado para tomar la batuta del rol de Augusto que muy dificilmente alguien común y corriente hubiera interpretado con la naturalidad que él lo hace.

"Al Séptimo Día" es una interesante apuesta por el cine de contenido y que trata de transmitir un mensaje o moraleja que el público salvadoreño, en buena medida, no logre comprender por la sutileza implementada. Un elemento muy personal que deseo destacar es el tratamiento, tipo videoclip, que se utiliza en las parte musicales del corto y que acentúan la corriente artística de la cual se desprendió ésta idea.

COMUNICADO

Estimados amigos y amigas de Blogueamos Cine, por medio de la presente entrada mis compañeros y yo deseamos hacer de su conocimiento las más sinceras disculpas por no haber podido publicar entradas en éstas semanas; no hay excusas ya que sabemos que esperan con ansias nuevos reviews o informaciones de nuestra parte pero varias situaciones fuera de nuestro control han evitado la continuidad que siempre hemos tratado de respetar.

Lo segundo es expresar nuestra alegría por el apoyo al que se han visto expuestos los proyectos que aquí hemos promocionado y esperamos que los deseos por seguir adelante (de éstos grupos de cineastas emprendedores) nos continuen llenanado de orgullo y de cortometrajes que podamos ver en el cine o en la televisión.

En ésto último deseo hacer hincapié en el notable esfuerzo de la gente creadora de TRASTORNADO que tiene entre nosotros una valoración muy alta y que su review pronto será publicado al igual que el de Al Séptimo Día; por su parte felicitamos a Roberto Serrano, gran colaborador del blog, por su participación en TRASTORNADO y la genial oportunidad que tuvieron de proyectarlo en cines... eso sí... para quienes no pudieron apreciarlo en esa oportunidad se les hace las más atenta invitación para lo siguiente:

TRASTORNADO, será transmitido por Canal 12 este próximo sábado 25 de octubre a las 5:30 p.m. en el programa PREMIER, de Francisco Cáceres, con reprisse el domingo 26 a las 6:00 a.m.




¡¡Así que pasen la voz y apoyemos a los nuestros!!

CINE SALVADOREÑO

¡Estimados lectores! ¿Qué tal? ¿Cómo les va? espero que todo bien, en esta oportunidad les escribo para hacer extensiva, a todos los interesados, una invitación sobre un muy buen evento en relación a cine salvadoreño, los detalles a continuación:

Los cortometrajes "Trastornado" y "Al Séptimo Día" formarán parte de la proyección previa a la película de Edwin Arévalo "Tres Caminos", que será puesta en escena la semana del 10 al 17 de octubre en los Multicinema de San Salvador.

Blogueamos Cine desea expresar su apoyo e invita muy efusivamente a todos para que apoyen a éste nuevo esfuerzo por proyectar las obras nacionales que se están concretando para que se de cuenta todo el mundo que aquí también se hace cine.

Además, no está de más pedirles que nos ayuden a extender dicha invitación al resto de gente interesada. Es de aclarar que se proyectará sólo un corto por función, antes de que inicie el largometraje "Tres Caminos".

ACTUALIZACIÓN:

Información cartelera Multicinemas Semana del 10 al 17 de octubre de 2008

La película Tres Caminos, será proyectada en los Multicinemas Plaza Mundo (Soyapango), Reforma (Cerca de la UES) y Multiplaza.

Lunes, martes, miércoles, jueves y viernes en Multiplaza y Reforma:
-12.15 y 6.00 p.m.: Tres Caminos con el corto Al Séptimo Día
-3.15 y 8.45 p.m.: Tres Caminos con el corto Trastornado

En Plaza Mundo:
-12.30 y 5.30 p.m.: Tres Caminos con el corto Al Séptimo Día
-3.00 y 8.00 p.m.: Tres Caminos con el corto Trastornado

Para el fin de semana cambia un poco porque se tiene la exhibición del partido de la selección salvadoreña en Haití y se ocupan los mismos equipos, así qué:

Sábado en Multiplaza y Reforma:
-6.00 p.m.: Tres Caminos con el corto Al Séptimo Día
-8.45 p.m.: Tres Caminos con el corto Trastornado

En Plaza Mundo
-6.00 p.m.: Tres Caminos con el corto Al Séptimo Día
-8.00 p.m.: Tres Caminos con el corto Trastornado (el Centro Comercial no deja entrar pasadas las 8.00 p.m.)

El Domingo se añade en Multiplaza y Reforma la función de 3:15 p.m. con el corto Transtronado y en Plaza Mundo la función es a las 3 p.m. siempre con Transtornado.

Los precios serán mas bajos de lo normal de esos cines (el cambio en cada cine se da a las 2.00 p.m.)
-Multiplaza: $2.00 y $2.75
-Reforma: $1.85 y $2.00
-Plaza Mundo: $2.00 y $2.50.

¡Apoyemos lo nuestro! ¡ahí nos veremos!

Info. gracias a: Roberto Serrano

CINE SALVADOREÑO EN ACCIÓN. NOTABLE EVOLUCIÓN , DESTACABLE TALENTO

Hace poco tuve a bien ir al estreno público de 5 cortometrajes 100% salvadoreños (los cuales anunciamos en blogueamos cine) y de los cuales tuve muchas y muy buenas sensaciones de principio a fin; es indudable que los esfuerzos por hacer cine en El Salvador se están poniendo en pié de lucha y me alegra de sobremanera que en el 2008 se hayan tenido tantas sorpresas en el ámbito del séptimo arte.

Pero ¡ojo! que aun falta un buen trecho por recorrer, puesto que todavía no se tienen todos los recursos, el apoyo y la cultura de la gente a favor del cine nacional, además de que mientras no se tengan mayores propuestas de largometrajes nos tendremos que conformar con cortometrajes, pero lastimosamente... no solo de cortos vive el hombre.

Comencemos entonces con el breve review de cada uno:

EL BESO QUE NO QUISISTE RECIBIR

Dirección y Guión: Miguel Villafuerte

Una madre se embarca hacia el norte buscando mejorar su vida y la de su pequeña hija a quien debe dejar bajo el cuidado de su abuela. De ritmo lento, un poco encajonado y falto de desarrollo son elementos que cualquiera puede captar de éste corto; hay momentos en donde cierta parte del público puede sentirse aburrido, y aunque no trata un asunto banal se desperdicia la oportunidad de desarrollarlo más, se puede sentir un vacío ya que la historia se queda muy corta, cosa que pudo mejorarse explotando en mayor medida el conflicto de las protagonístas.

Pero, la cinematografía empleada junto con la edición y elementos justos como el maquillaje dan muy buen aspecto al film, en especial cuando trata los flashbacks en los cuales se fundamenta buena parte de la historia; aunque el guión es bastante simple hay dos cosas que lo mantienen a flote, por un lado la excelente actuación de esa gran señora de las tablas Ana Ruth Aragón que logra convencernos en totalidad con su personaje y que es apoyado en breve, pero de buena forma, por la novel Isabela Vides quien, sin mucho esfuerzo, logra darle el carisma necesario a su representación. Lo segundo es el estilo narrativo que emplea, es muy novedoso (y motivante) entre las producciones nacionales que sea un personaje el que cuenta de principio a fin la historia que se desarrolla ¡gran acierto!.

3 SEGUNDOS O LA ETERNIDAD

Dirección: Luis Coto
Guión: Ronald Calvo

Mostrando una temática universal y haciendo uso de situaciones muy comunes o cotidianas, la historia nos muestra cómo un empresario es privado de su libertad y encerrado en una oscuridad atemporal que hace mella en su humanidad. Desarrollada de manera interesante, la historia se basa en lo que vive el personaje interpretado por el reconocido psicólogo y actor Boris Barraza quien logra darle un profundidad especial al retratar lo que las personas sufren al ser secuestradas.

Pero irónicamente, es el guión mismo el que no deja prosperar al protagonista ya que pone muchos elementos poético-filosóficos que no terminan de cuajar, pero que Barraza supera con creces cuando improvisa y se sale del escrito; los secuestradores, aunque en algún momento parecen aportar algo, terminan por desplomar su credibilidad al externar situaciones totalmente infantiles y faltas de madurez como cuando tratan de justificar el secuestro del hombre.

Cortometraje pretencioso que no pudo hacer buen uso de todos los elementos y recursos que tuvo a la mano, y que además cae terriblemente (después de haber manejado muy bien los claroscuros) en una pésima cinematografía que fuerza al ojo del espectador a tratar de ver al personaje (sus gestos y expresiones) en una oscuridad total que fue llevada muy literalmente a la pantalla.

CIHUATL - LOS MITOS VAN A LA CIUDAD

Dirección y Guión: William Carballo

¿Qué pasa cuando un mito de los que nos contaban cuando niños deja de aparece en el campo y se mete de lleno en la gran urbe? pues es un dilema que Cihuatl nos plantea, con un guión sencillo pero con muy buen ritmo y adecuada sincronía, diálogos tan comunes pero con actuaciones igual de convincentes y excelente uso de los efectos especiales (artesanales y digitales) son elementos destacables que están a favor de la historia.

Edilson es un infiel que debe enfrentarse al terror que acecha desde tiempos inmemoriales a ese tipo de hombres. Las actuaciones son justas, no exageradas y de buen tinte, sobresaliendo la interpretación de Patricia Rodríguez que con sus contorsiones, maquillaje y vestimentas provoca excelentes sensaciones que pocas veces se han logrado en nuestro impuber cine.


Sin profundizar en hechos obvios, el guión se desarrolla de gran manera, permitiendo entender sin necesidad de analizar mucho, una situación con la que, especialmente, cualquier salvadoreño se puede sentir identificado; pero, he ahí que se produce el único pero de ésta cinta: la idiosincrasia, el regionalismo...no se tratan temas de corte universal y eso provoca que, aunque a nivel visual y de desarrollo sea uno de los mejores cortos presentados, se quede como algo muy nuestro...de calidad... pero muy nuestro.

FUMAR NO SE PUEDE

Dirección y Guión: Norman Badía

Chencho es un hombre que vive aferrado al vicioso hábito de fumar, algo que no pude dejar puesto que no le interesa...aunque le traiga consecuencias irremediables...

Cómico, dosificante y muy bien trabajado, Fumar no se puede es la representación de que 'sí se puede' hacer cine de calidad en éste país conjuntando un buen guión, manejo cinematográfico y excelentes actuaciones. Leandro Sánchez otro actor de gran nivel (y ex-integrante de cierto programa mañanero) nos regala la actuación más memorable de todos los cortos que revisamos en ésta ocasión.

De cierta manera bastante vulgar en su vocabulario y forma de proceder, pero extremadamente convincente, no hay lugar en el mundo en el que un fumador compulsivo no se sienta identificado con éste personaje que demuestra lo corriente, ridículo e intratable que puede llegar a ser alguien que aspira a todo y a nada al mismo tiempo. Aunque en un ambiente muy reducido y con un solo actor el corto sale adelante por méritos muy propios porque tanto la cinematografía, la musicalización, la escenografía y los efectos están muy bien cuidados. Y, muy personalmente, el final que enlaza con el principio del corto es fabuloso.

Éstos 4 cortometrajes fueron realizados por la gente que cursó el taller de cine y televisión en la Escuela de Comunicaciones Mónica Herrera y se tomaron, según sé, como trabajos de graduación.

Ahora bien trato el último de los 5 que se presentaron en el cine y del cual nuestro desinteresado colaborador Roberto Serrano ya nos había hablado en una ENTRADA allá por Mayo de éste año...

PARÁVOLAR

Dirección y Guión: Arturo Menéndez

Una exquisita muesta de como lo conceptual del cine se puede realizar con los recursos exactos, con contenido, actuaciones y la trama precisa, Parávolar es la historia de un ángel que vaga por las calles de San Salvador exhibiendo su inocencia hasta que se encuentra con que la vida rara vez es justa con aquellas almas nobles que no buscan más que el bienestar de los demás.

Yasmín Chaín, en un gran papel de Ángela nos confirma que no importa que tan pequeños o nulos sean los diálogos la actuación también puede ser desde las expresiones y cómo estas pueden lograr que el público persiva los sentimientos de la protagonísta; por su parte Paolo Hasbún es Román un excelente antagonísta, él es la contraparte exacta de Ángela y un despiadado individuo cuando ambos extremos tienen la desgracia de chocar.

Excelente cinematografía, rítmo y argumento, gran interacción entre los personaje y de éstos con sus entornos, una iluminación casi impecable, buen sonido, buen vestuario y una historia hecha precisamente para ser un corto son elementos que hacen de Parávolar una pequeña pero gran obra de arte; se encuentra lleno de simbolismos que tratan los temas que actualmente sacuden a nuestra sociedad, vistos desde una perspectiva diferente y planteando cómo tragicamente nos dirigimos hacia un abismo al que queremos evadir aunque sea tratando de... volar...

ELIZABETH, emerge Cate Blanchett

Hace ya diez años (1998) se estrenó el film Elizabeth, dirigido por Shekhar Kapur y con una Cate Blanchett que se consolidaba en el alto mundo del cine con el papel protagónico, una película que se me había escapado todo este tiempo. Así que con motivo de bloguear la segunda parte, Elizabeth The Golden Age (se ha estrenado en nuestro país casi un año después que en USA) he decidido ver antes la primera parte.

La historia narra cómo la hija del rey Enrique VIII, Elizabeth I (o Isabel I en español), llega a convertirse en la reina de Inglaterra en 1558, la última de la dinastía de los Tudor. Elizabeth era considerada por muchos nobles como una hija ilegítima, siendo fruto del polémico matrimonio del célebre y despiadado rey con Ana Bolena (a quien envió a la guillotina). La película es buena, no solo por lo interesante de la historia que nos cuenta, o todas las locaciones y vestuarios de la época, sino por sus excelentes interpretaciones, aunque claro, quien sobresale de manera contundente es la actriz australiana.

En un inicio vemos a una Inglaterra gobernada por los reyes católicos María y Felipe, donde se perseguía a los protestantes y se quemaba en la hoguera a todos los "herejes". Como la reina María no tenía descendientes, muchos en la corte temían que el poder pasara a Elizabeth, la "bastarda", así que tratan de inculparla de traición al reino, de manera que fuera ejecutada "legalmente" y el reino permaneciera en manos de católicos (la princesa era protestante, como su padre). Toda la atmósfera mostrada es oscura y lúgubre, transmitiéndonos la decadencia en la que el reino se encontraba. Cuando la reina María muere sin atreverse a firmar la condena de muerte de su hermanastra, Elizabeth es nombrada reina, con el pesar de muchos de los cortesanos, pero allí es donde empieza la historia.

Como lo dije anteriormente, la interpretación de Cate Blanchett es magistral, ella logra conseguir uno de los ingredientes casi infaltables en toda buena película, y me refiero a poder representar la evolución de un personaje; por supuesto que el guión tiene algo que ver, pero sin duda alguna no lo es todo, ¿cuántas películas tienen protagonistas que empiezan bien pero que no logran evolucionar al ritmo del filme?, y es que Cate logra transmitir ése paso de la inocencia juvenil a la adultez implacable de su personaje, pero al mismo tiempo, mostrando esa determinación que debió tener Elizabeth aún siendo muy joven. Al principio, es una princesa, sonriente, juguetona... como cualquier joven, libre de las preocupaciones reales; en su encarcelamiento, aunque temerosa y asediada por los falsos cargos de traición con la que la atacan sus jueces, se mantiene firme en defender su inocencia, y la defiende con determinación, así como cuando se niega a aceptar el catolicismo que le trata de imponer la reina a cambio de su beneplácito. Cuando es nombrada reina de Inglaterra, en una escena fantástica donde le exclaman la famosa frase ".. la reina ha muerto, larga vida a la reina" empieza una nueva fase, donde comete errores por su inexperiencia, pero que la llevan a cambiar y a endurecer su personalidad, éste cambio se pone de manera más evidente cuando tiene una asamblea con los prelados del reino.


Resulta fascinante ver cómo la vida de ésta importante mujer va cambiando completamente por el poder, casi sin ella quererlo: cómo su consejero William Cecil no piensa en más que casarla con algún monarca que le otorgue ventaja y poderío a Inglaterra, cómo le quieren poner en la encrucijada de elegir entre la iglesia católica y protestante, en ir a pelear batallas que no pueden ganar y por si eso fuera poco, defenderse de los intentos de asesinado en su contra. Ahora bien, ésta evolución va acompañada de otro de los personajes, ése es Sir Francis Walsingham, interpretado por el genial Geoffrey Rush, y digo que la acompaña pues Walsingham es un maquiavélico personaje, con una frialdad y determinación tan firmes como la misma lealtad que le tiene a la reina, él se convierte en su más importante aliado, ya que realiza el trabajo "sucio" pero necesario para que Elizabeth logre superar la enorme cantidad de problemas y enemigos que se le echan encima.


El resto de los personajes estan bien, aunque todos giran alrededor de la luz de Blanchett, Emily Mortimer como su doncella más cercana, Kathy Burke como la reina María Tudor, Richard Attenborough como Sir William Cecil, Fanny Ardant como María de Guise, Christopher Eccleston como el Duque de Norfolk (el principal enemigo de Elizabeth dentro de la corte, y aspirante al trono de Inglaterra), Daniel Craig como un oscuro enviado del Vaticano, entre otros.

Dejo para el final al personaje de Joseph Fiennes, Lord Robert Dudley, amigo íntimo y único interés sentimental real de la joven Elizabeth, para apuntar que el guión se toma algunas libertades respecto de la historia real, por ejemplo, la traición de Robert es incorporada como una forma de justificar la decisión de Elizabeth de no casarse nunca; algo que ha sido más bien un misterio. O bien, la forma y el tiempo en la que son eliminados algunos de los enemigos de la reina. Sin embargo, estas diferencias han sido realizadas para dotar al filme de más coherencia y en general, el relato mantiene lo más importante de esos trascendentales pasajes de la historia de la monarquía inglesa.

Una buena película de época que tiene como principal atracción sus sólidas interpretaciones, siendo la más destacada (y por mucho) a la bella Cate Blanchett, filme que le valió para consolidarse en el mundo del cine como una de las actrices de élite más talentosas (echar un vistazo a su filmografía de la última década) y más codiciadas actualmente.